Musik online erstellen. So erstellen Sie eine Diashow von Fotos und Musikkenntnisse in Notizen

In der modernen Welt mit schnell entwickelnder Computertechnologie und der Gesellschaft, die mit allen Novelties im Bein geliefert wird, ergibt sich häufig, um Musik auf einem Computer zu schreiben? Meistens wählen kreative Persönlichkeiten, wie professionelle Musiker und unabhängig gemeisterte Musik, einen Computer als Werkzeug, um ihre musikalischen Meisterwerke zu erstellen.

Schreiben von Qualitätsmusik auf dem Computer ist dank der enormen Anzahl verschiedener diverser Programme wirklich möglich, die genau für diese Zwecke erstellt wurden. Im Folgenden finden Sie die Hauptstufen der Erstellung von Kompositionen auf dem PC mit speziellen Programmen, natürlich müssen sie zumindest auf der Anfangsebene verwenden können.

Die erste Stufe. Idee und Umriss der zukünftigen Komposition

Zu diesem Zeitpunkt erfolgt die kreativste Arbeit ohne Einschränkungen. Aus dem reinen Blatt ist die Basis der Zusammensetzung eine Melodie, es muss die Tiefe und Schönheit des Sounds geben. Nach der endgültigen Version der Melodie sollte eingeschaltet sein. In der Zukunft wird die gesamte Struktur der Arbeit von der in der ersten Bühne geleisteten Arbeiten abgestoßen.

Bühne Sekunde. "Ankleiden" Melodie

Nachdem die Melodie und Begleitung fertig ist, sollten Sie die Zusammensetzung der Werkzeuge hinzufügen, dh füllen Sie es mit Farben, um das Hauptthema zu verbessern. Es ist notwendig, Melodien für Bass, Keyboard-Tools, ein Schockspiel vorzuschreiben. Als Nächstes sollten Sie den Sound für die schriftlichen Melodien auswählen, dh experimentieren Sie mit verschiedenen Tools, Sie können mit unterschiedlichen Tarifen arbeiten. Wenn der Klang aller vorgeschriebenen Werkzeuge das Hauptthema harmonisch klingt und betont, können Sie zur Anmerkung gehen.

Bühnenreiter. Blind

Minimierung ist die Überlagerung aller registrierten Parteien für Werkzeuge miteinander und mischen ihre Klänge entsprechend der Synchronisation der Wiedergabezeit. Die Wahrnehmung der Zusammensetzung hängt von den richtigen Informationen der Werkzeuge ab. Ein wichtiger Punkt in dieser Phase ist der Lautstärkepegel für jede Charge. Das Geräusch des Werkzeugs muss in der Gesamtzusammensetzung unterschieden werden, gleichzeitig und ertränken andere Werkzeuge nicht. Sie können auch spezielle Geräuscheffekte hinzufügen. Aber mit ihnen ist es notwendig, sehr sorgfältig zu arbeiten, das Hauptsache ist nicht zu übertreiben, sonst können Sie alles verwöhnen.

Bühne vierter. Mastering

In der vierten Etappe ist er in der Frage, wie man Musik auf einem Computer schreibt, dies ist Mastering, dh die Herstellung und Übertragung der aufgezeichneten Zusammensetzung auf einem beliebigen Träger. Zu diesem Zeitpunkt sollte Aufmerksamkeit auf Sättigung gezahlt werden, sodass nichts von niemandem von den Werkzeugen betroffen ist, sollte nicht vor dem Hintergrund anderer zugewiesen werden, wenn etwas Ähnliches auf die dritte Stufe zurückkehrt und verfeinert wird. Es ist auch notwendig, die Komposition auf verschiedenen Akustik zu hören. Der Datensatz muss ungefähr eine Qualität sein.

Es ist absolut nicht wichtig, welches Programm Sie verwenden werden, um Musik auf Ihrem Computer zu erstellen, da ihr großes Set erstellt wird. Zum Beispiel das Programm der professionellen Musik-Kreation FL Atelier, der Anführer der Popularität unter den Musiker. Cubase SX, auch ein sehr starkes virtuelles Studio, das von vielen berühmten DJs und Musiker anerkannt wurde. Auf derselben Ebene sind die aufgelisteten virtuellen Aufnahmestudios SONAR X1- und Propellerhead-Grund, die auch professionelle Studios für Aufzeichnungs-, Bearbeitungs- und Anmerkungszusammensetzungen sind. Wählen Sie das Programm aus den individuellen Bedürfnissen und Funktionen des Musiker aus. Letztendlich werden hochwertige und beliebte Werke durch Nicht-Programme erstellt, aber Menschen.

Lassen Sie uns ein Beispiel für Musik hören, die mit Computerprogrammen erstellt wurden:

.
Betrachten Sie in diesem Artikel einige wichtige Aspekte in Bezug auf die Zusammensetzungen der Melodien und der Elemente, von denen sie besteht.

Was ist eine Melodie?

Jeder bestimmt die Melodie auf der Grundlage ihrer Musikansichten im Allgemeinen. Jemand versteht jede einhaarige Linie unter der Melodie (was theoretisch theoretisch ist), jemand impliziert etwas Helles, unvergessliches und jemandes nur eine Stimmlinie.
Jeder Komponist muss eine Strategie für die Arbeit an der Melodie, basierend auf ihren Prioritäten, aber zweifellos wichtige Qualität ist die Fähigkeit, einprägsam zu komponieren, oder wenn sie genannt werden können, Melodien (wenn wir über nicht-akademische Musik sprechen).

Jede gut schriftliche Melodie enthält viele wechselseitige Elemente, von denen jeder das Niveau seiner Emotionalität und Einfachheit oder Komplexität definiert. Um leichte Bilder zu erstellen, müssen keine komplexen Elemente verwendet werden, sowie beim Schreiben einer Sinfonie lächerlich, um einfache Melodien zu verwenden (es sei denn, dies trägt zum Ausdruck des Plans).
Italienischer Komponist, Pianist, Dirigent und Musiklehrer F. Bezoni gab eine sehr gute Definition einer Melodie, die dazu beiträgt, zu verstehen, welche Elemente eine Melodie aus besteht.

"Eine Reihe wiederkehrender steigender und nachgelagerter Abstände, die von entscheidender Bedeutung sein müssen und von einem Rhythmus angetrieben werden, der an sich enthält und die Stimmung überträgt, was unabhängig von den Worten des Textes als Ausdrucksfähigkeit und unabhängig von den begleitenden Abstimmungen beträgt Form, ändert seine Essenz nicht von der Wahl der absoluten Höhe des Sounds und des Werkzeugs "

Es ist nicht zufällig, dass die Ähnlichkeit der Form und der Melodie hervorgehoben wird.

Eine gute Melodie ist immer perfekt in Form. Daher muss das erste wichtige Element als musikalische Syntax bezeichnet werden. Nachdem es dem verpassten Buzoni folgt, aber eine sehr wichtige Komponente -.

Man kann sagen, dass eine abstrakte Melodie bereits mit nur diesen beiden Elementen besteht.

Es wird jedoch mit einem ordnungsgemäßen metrischen Design vollwertiger.

Dieselbe Intonation, aber in verschiedenen metrischen Bedingungen können entgegengesetzte Bilder ausdrücken.

Das melodische Geschenk ist immer sehr hoch geschätzt und ist immer noch ein Talent-Indikator. Viele verstehen jedoch nicht das Wesen des melodischen Geschenks nicht richtig.

Erstellen Sie eine Melodie - es ist in der Lage, von einem Korn der musikalischen Intonation erstellen zu können, um die notwendige musikalische Konstruktion zu schaffen. Ein häufiger Fehler der Anfänger-Komponisten (und da viele Momente dieser Künste verbunden sind) die Reise von Melodien und musikalischer Intonation. Infolgedessen kann der Zuhörer nicht an einem von ihnen festgehalten werden und verliert die Essenz dieser biegsamen Liebkosung.

Wenn Sie Komponisten verschiedener Epochen vergleichen, können Sie zum ersten Blick auf den ersten Blick auf den ersten Blick kommen - die Intonation vor 200 Jahren und heute gleich. Diese Tatsache sagt uns, dass sich die Intonation selbst ändert, sondern die Entwicklung, Entwicklung. Die Intonation einer großen Sekunde hat Millionen von Variationen in der Arbeit verschiedener Komponisten.

Zwei Rippen aus Kreativität von absolut verschiedenen Komponisten. Getreide jedes Themenswunsches einer nach unten großen Sekunde:

McCartney gestern.

Rodrigo Aranhuse Part2.

Methoden zur Entwicklung und Umformen hier sind absolut anders - von hier und verschiedenen Melodien, dem Stilistik und allen anderen.

Darüber hinaus sind diese beiden Beispiele eine helle Manifestation von zwei Arten von melodischen Prinzipien - Vocal und Instrumental.

Die Gesangslinie ist in der Regel sehr melodisch und stützt sich an. Die Gesangmelodie ist nicht vom Wort getrennt und eng miteinander verbunden.

Viele Komponisten versuchen, wenn sie nicht genau vermitteln, zumindest, um den Rhythmus der Poesie (von Poesie, der Musik, viele rhythmische Elemente) zu erhalten. Bei Gesangmelodien sind allgemeine Sprünge, Komplexität der Form und Entwicklung nicht charakteristisch.

Mit der Art der Vokalmelodien selbst können Sie wiederum zwei weitere Arten von melodischer Entwicklung (oder Melodie-Zeichen) zuweisen:

1. Kantilena

Unter Cantilena werden die Melodien der breiten Atmung verstanden. Sie sind im Rang und dem Melodismus inhärent. Ein Beispiel für moderne Kantiles:

2. Akkitativ

Aktuelle Melodien werden zu einer häufigen Wiederholung von Notizen gebaut und haben in der Regel ein enges Reichweite.

In der Musik finden Sie ganze Konstruktionen, die aus zwei oder drei Noten bestehen. Ein klassisches Jazz-Beispiel für einen spektralen Rhythmus ist eine Note Samba. Ein Beispiel für ein Cleattativ bei Black Sabbath (Paralanoid-Lied):

Neben diesen Faktoren spielt der Genre-Start der Melodie eine wichtige Rolle.

Solche Elemente wie ein Marsching, Tanz, das Lied ist sehr stark von den Stilistik und dem figurativen System der Melodie beeinflusst. Jedes dieser Genres wird auf unterschiedliche Weise in der Arbeit des Komponisten realisiert, irgendwo eindeutig und irgendwo in Form eines Tipps.

Somit ist ein wichtiger Faktor, der bei der Erstellung einer Melodie berücksichtigt werden muss, ist ihre Art (Cantilenin, Sprechen) und Genre.

Daher ist die beste Übung für den Komponisten die Erstellung von Melodien verschiedener Typen und Genres, ohne andere Einschränkungen (die mit der Zeit überlagert werden).

Die ersten Musikinstrumente - Knochenflöten erschienen vor etwa 35 Tausend Jahren, aber die Menschheit konnte die Musik und lange vor ihnen erledigen. Im Laufe der Zeit wurde das Verständnis der Musik immer tiefer. Obwohl um Musik zu erstellen, ist es jedoch nicht notwendig, die Theorie von Gamps, Rhythmus, Melodien und Harmonie gründlich kennenzulernen, jedoch werden jedoch etwas Wissen in diesem Bereich helfen, bessere Musik zu erstellen.

Schritte

Teil 1

1. Verstehen Sie den Unterschied zwischen der "Schallhöhe" und "Angeordneten". Diese Bedingungen werden verwendet, um die Eigenschaften der musikalischen Klänge zu beschreiben. Sie sind miteinander verbunden, haben aber einige Unterschiede.

   • Die Höhe des Tons bedeutet, wie viel der Ton niedrig oder hoch ist, abhängig von seiner Frequenz. Je mehr Frequenz ist, desto höher ist der Ton. Die Frequenzdifferenz zwischen den Geräuschen unterschiedlicher Höhe wird als Intervall bezeichnet.
   • Nota wird durch den Ton einer bestimmten Frequenz angezeigt. Die Standardhäufigkeit der Note A (LA) der ersten Oktave wird als 440 Hz betrachtet, obwohl einige Orchester einen anderen Standard verwenden, insbesondere 443 Hz, um einen helleren Ton zu erreichen.
   • Die meisten Menschen können die Richtigkeit der Kerbe definieren, wenn eine andere Note mit sich gespielt wird, oder eine Reihe von Notizen von der ihm bekannten Zusammensetzung. Dies wird als "relative Anhörung" bezeichnet. Eine kleine Anzahl von Menschen wird von der "absoluten Anhörung" entwickelt, die es ermöglicht, die Höhe des Klangs zu bestimmen, nicht einen anderen Klang zu hören.

2. Verstehen Sie den Unterschied zwischen dem "Temmbra" und "Ton". Diese Bedingungen werden normalerweise in Bezug auf Musikinstrumente eingesetzt.

   • Die Timbre bedeutet eine Kombination aus einer Standard-Soundhöhe und Geister (Obertöne), die beim Spielen von Notizen auf einem Musikinstrument erscheinen. Wenn Sie auf einer Akustikgitarre einen niedrig-String-Beutel E (MI) erstellen, hören Sie in der Tat nicht nur eine Note-Note E (MI), sondern auch zusätzliche Geister, die eine Höhe über Standard haben. Es ist die Kombination dieser Geräusche, auch als "Harmonics" genannt, den Klang jedes Werkzeugs einzigartig macht.
   • Der Ton ist ein abstrakterer Begriff. Es bedeutet, dass die Kombination der Standardhöhe des Klangs und der Turnhalle eine menschliche Anhörung haben. Durch das Hinzufügen von höheren Harmonischen in der Timbre wird ein hellerer und klärer Ton angezeigt, während niedrigere Harmonische einen weicheren Ton geben wird.
   • Der Ton wird auch als Intervall zwischen den beiden Geräuschen verschiedener Höhen (ganzer Ton) bezeichnet. Die Hälfte dieses Intervalls heißt Halbton.

3. Erfahren Sie die Namen der Notizen. Notizen können auf verschiedene Weise aufgerufen werden. Im Westen sind zwei Wege am häufigsten.

   • Wörtliche Namen: Notizen mit einer bestimmten Frequenz werden Buchstabennamen zugewiesen. In Ländern mit englisch und dänisch sind dies Briefe von A bis G. In Ländern mit Deutsch, der Buchstabe B bedeutet eine Anmerkung B-Wohnung oder einen C-Bembol (schwarze Taste am Klavier zwischen den Noten A und B) und dem Buchstabe H wird für Anmerkung der Bezeichnungen B oder C (weiße Taste auf einem Klavier mit Note B) verwendet.
   • Solfeggio: In diesem System haben Hinweise einheitliche Namen in Übereinstimmung mit ihrer Reihenfolge im Gamma. Das System wurde im 11. Jahrhundert von dem Mönch Guido D "Arezzo entwickelt, der" UT, PE, MI, FA, Salt, LA, C "verwendete, der aus den ersten Worten jeder Linie der Singen von Johannes der Täufer genommen wurde. Im Laufe der Zeit "UT" wurde durch "Sein" ersetzt, und einige haben das "Salz" auf "Co" (in einigen Teilen der Welt, das Solfeggio-System ist das Hauptsystem für Notation reduziert.

4. Notizen im Gamma beobachten. Das Gamma ist die Reihenfolge von Intervallen, wenn der höchste Ton im Gamma eine Frequenz doppelt so viel wie das niedrigste hat. Dieser Bereich wird als Octava bezeichnet. Hier sind einige häufige Gammas:

   • Chromatisches Gamma hat 12 Halbtonintervalle. Oktaven auf dem Klavier, beginnend mit der Note "bis" der ersten Oktave bis zur Note "bis" der zweiten Oktave, dh die sequentielle Presse aller weißen und schwarzen Tasten bezeichnet einen chromatischen Gamut. Andere Gammas werden im Vergleich dazu mehr geschnitten.
   • Major Gamma hat sieben Intervalle: Der erste und das zweite ist ganze Töne; Der dritte ist Halbton; vierter, fünfter und sechster - ganze Töne; Siebter Intervall - Halbton. Octaves-Spiel auf dem Klavier mit Notizen "bis" Die erste Oktave zur Note "bis" der zweiten Oktave, die nur weiße Tasten verwendet, ist ein Beispiel für einen großen Gamut.
   • Kleiner Gamma Zahlen auch sieben Intervalle. Die häufigste Form ist das Gamma von Natural Moll. Das erste Intervall ist ein ganzer Ton, der zweite Halbton, der dritte und vierte - den gesamten Ton, der Fünftelhälfte, der sechste und siebte Ganzton. Octaves-Spiel auf einem Klavier mit einem "La" niedrigen Oktaven-Blechnotizen zum "La" -Blatband der ersten Oktave, das nur weiße Tasten verwendet, ist ein Beispiel für ein natürliches kleines Gamma.
   • Gamma Pentatonic hat fünf Intervalle. Das erste Intervall ist ein ganzer Ton, der zweite - drei Halbton, der dritte und vierte - auf dem gesamten Ton, jeweils die fünfte - drei Halbtones. In der Tonalität C (vor) werden die Noten von Pentatonics nicht Notizen c (BE), d (re), f (f), g (salz), a (la) und erneut c (up) sein. Sie können auch Pentatonic mit nur schwarzen Tasten am Klavier zwischen der ersten und der dritten Oktave spielen. Pentatonics wird in afrikanischer Musik, Musik von Ostasien und Inder sowie in der Volksmusik verwendet.
   • Die erste Note im GAMME heißt Tonic. Normalerweise sind Songs so geschrieben, dass die letzte Note im Song genau tonisch ist. Ein Song, der zuvor in einer Tonalität geschrieben wurde, endet fast immer mit einem Personal. Oft neben der Notiz ist angegeben, ob die Tonalität ein Haupt- oder Minderjähriger ist; Wenn dies nicht angegeben ist, gilt die Tonalität als Major.

5. Verwenden Sie Digester und BEMPS, um Noten anzuheben oder zu senken. Dieza und Bemoli werden auf einem Halbton aufgehoben oder abgesenkt. Sie sind notwendig, um mit anderen Tonalitäten als DU-Major und La Minouris zu spielen, und erfüllen die richtigen Abstände. Dieza und BEMOLI sind neben den Anmerkungen zu einem Tankdatensatz angegeben und werden Änderungszeichen bezeichnet.

   • Dieza-Zeichen (ähnlich wie Hestega - #), die sich neben der Notiz befindet, erhöht es für einen Halbton. In den Tonnen G-Major und E-Moll (Salt-Major und MI-MILL) wird Note F (FA) von einem Halbton angehoben und ist ein NOTA von F-Sharp (Phase).
   • BLEZOL-Zeichen (ähnlich dem geistigen englischen Buchstaben "B"), der sich neben der Notiz befindet, senkt es für einen Halbton. In den Tonnen von F-Major und D-Moll (F-Major und RE-MILL) wird die Note B (c) um einen Halbton abgesenkt und ist eine Notiz der B-Flat (Si-Bimol).
   • Bequemlichkeit sind Anmerkungen, die in einer bestimmten Tonalität abgesenkt oder verbessert werden müssen, zu Beginn jeder Zeile des Notensatzes angegeben. In diesem Fall sollten die Anzeichen von Änderung nur für Notizen verwendet werden, die sich außerhalb der Haupt- oder Minor-Tonlichkeit befinden, in der das Lied geschrieben ist. Solche Änderungszeichen werden innerhalb der Uhr nur auf individuelle Noten angewendet.
   • Bekar-Zeichen (sieht aus wie ein vertikales Parallelogramm mit Linien, das von seinen beiden Scheitelpunkten auf und ab geht), was sich neben der Notiz befindet, bedeutet, dass diese Note in diesem Lied nicht verbessert oder abgesenkt werden sollte. Bekar ist nie zu Beginn eines Note-Rekords mit anderen Änderungszeichen angegeben, kann jedoch verwendet werden, um die Digester und Bemoles innerhalb der Uhr abzusagen.

   Teil 2

   Stiefel und Rhythmus

   1. Verstehen Sie den Unterschied zwischen "Treffer", "Rhythmus" und "TEMPO". Diese Bedingungen beziehen sich auch.

      • Strike (Share) ist ein Begriff, der die Musiklippung kennzeichnet. Der Schlag kann sowohl die klingende Note als auch das Segment der Stille sein, die als Pause bezeichnet werden. Darüber hinaus können mehrere Notizen während einer Wirkung klingen, und im Gegenteil - eine Note oder Pause kann mehrere Aufnahmen dauern.
      • Rhythmus ist eine Reihe von Schlägen und Wellen. Rhythmus wird vom Standort der Notizen und der Pause im Song bestimmt.
      • Das Tempo ist, wie schnell das Lied gespielt oder langsam gespielt wird. Je schneller das Tempo, desto mehr Schocks klingen pro Minute. Im Song "The Blue Danube Waltz" - ein langsames Tempo und in "The Stars and Stripes für immer" - schnell.

   2. Eine Kombination von Schocks in den Uhren. Taktik ist ein Satz von Schlägen. Jeder Schlag hat eine gleiche Anzahl von Schocks. Die Anzahl der Schocks in jedem Takt der Songs ist zu Beginn des Verfahrens angegeben, wenn die Größe bezeichnet wird, die wie ein Fraktion ohne ein Merkmal aussieht, ohne den Zähler und den Nenner zu trennen.

      • Die obere Zahl zeigt die Anzahl der Aufnahmen im Takt an. Dies ist normalerweise die Zahl 2, 3 oder 4, kann jedoch 6 oder höher sein.
      • Die niedrigere Zahl zeigt an, welche Art von Note für einen Treffer akzeptiert wird. Wenn die untere Zahl 4 in einem Schlag die vierte Note angenommen wird (es sieht aus wie ein lackierter Oval mit einer vertikalen Linie). Wenn der untere Nummer 2, eine halbe Note für einen Schlag akzeptiert wird (es sieht aus wie ein beeinträchtigter Oval mit einer vertikalen Linie). Wenn die untere Zahl 8 in einem Schlag in einem Schlag die achte Note angenommen wird (es sieht aus wie eine vierte Note mit einer Flagge).

   3. Finden Sie einen starken Anteil. Rhythmus wird von welchen Schlägen (Aktien) im Takt stark (akzentuiert) und schwach (nicht aufgeregt) bestimmt.

      • In den meisten Songs ist der erste Anteil (Schlag) eine starke Fraktion oder akzentuiert. Die restlichen Aktien (Streiks) sind nicht gezahlt, obwohl in der Takt mit vier akzenten-Aktien auch der dritte Anteil sein können, aber der Schwerpunkt ist schwächer als der erste Anteil.
      • Manchmal konzentrieren sich schwache Aktien auf Musik statt stark. Dies wird als Syncopy genannt; In diesem Fall sagen sie, dass der Fokus auf einem schwachen Anteil liegt.

   Teil 3.

   Melodie, Harmonie und Akkorde

   1. Bestimmen Sie den Song auf der Melodie. Melodie ist eine Folge von Noten verschiedener Höhen, die sich in einem bestimmten Rhythmus klingt, der eine Person als ganzheitliche Zusammensetzung wahrnimmt.

      • Melodie besteht aus Phrasen, die von Uhren verteilt sind. Diese Phrasen können in der gesamten Melodie wiederholt werden, beispielsweise im Weihnachtslied "Deck the Halls", in dem die erste und zweite Linien in der Uhr die gleiche Notensequenz haben.
      • Am häufigsten wird die folgende Struktur in den Songs verwendet: Eine Melodie begleitet den Vers, und die andere mit ihm verbundene Melodie begleitet den Chor.

   2. Zur Melodie der Harmonie hinzufügen. Harmony ist ein Spiel von Notizen außerhalb der aktuellen Melodie, um den Klang heller und des Kontrasts zu machen. Wie oben erwähnt, können viele String-Tools verschiedene Töne erstellen, wenn die Anhängekupplung; Operons, mit dem Hauptton klingen, sind eines der Harmonieformen. Die Harmonie kann durch verschiedene musikalische Phrasen und Akkorde erreicht werden.

      • Harmonie, die den Klang der Melodie verbessert, wird als Konsonanten genannt. Operons, die sich zusammen mit dem Hauptton mit einem Strings-Saiten auf der Gitarre klingen, sind ein Beispiel für konsonante Harmonie.
      • Harmonie, die mit einer Melodie kontrastiert wird, wird als dissonant genannt. Die dissonante Harmonie kann beispielsweise durch das Spiel der kontrastierenden Melodien erreicht werden, wie im Fall des Songs "Row Row Ruid Ihr Boot", wenn verschiedene Gruppen von Personen mit unterschiedlichen Zeiten den oben genannten Satz anfangen.
      • In vielen Songs wird die Dissonanz verwendet, um unbestimmte Gefühle auszudrücken, und weitere Förderung zur Vermittlungsharmonie. Wie im Beispiel mit der "Row Row Row the Boot", sobald jede Gruppe ein Paar singt, wird das Lied ruhiger, bis die letzte Gruppe nicht singt "Das Leben ist nur ein Traum".

   3. Gruppenhinweise in Akkorden. Der Akkord besteht aus drei oder mehr Noten, die gleichzeitig oder nicht gleichzeitig klingen.

      • Die am häufigsten verwendeten Akkorde sind nüchtern (drei Anmerkungen), in denen jede nächste Note die beiden Noten des vorherigen ist. In der Vereinbarung zu Major ist die Akkordnotizen vor (Tonic), MI (großer Versuch), Salz (Quinta). In Akkord wird die Note vor dem Minor durch eine Mi-Böll-Note (Kleinabschnitt) ersetzt.
      • Ein weiterer häufig verwendeter Akkord ist Sepkord, in dem der vierte Note dem nüchtern hinzugefügten Septim aus Tonikum hinzugefügt wird. In Septakkord wird dem nüchterner Kanal nicht C-ROOCHING DU-MI-Salz zugesetzt, und die Pre-MI-SOL-Sol-Sequenz wird erhalten. Septakkordi unnacht nüchtern.
      • Für jede Note im Song können Sie verschiedene Akkorde verwenden. So wird der sogenannte "Friseur" -Harmonie erstellt. Am häufigsten in Akkorden werden jedoch von Notizen von diesem Akkord gespielt, zum Beispiel das Spiel des Abkommens der Vereinbarung für den Flug der Notizen.
      • Viele Songs bestehen aus drei Akkorden, deren Tonic der erste, vierte und fünfte Note des Gammas ist. In diesem Fall werden römische Figuren I, IV und V in der Tonalität des D-Dur verwendet, diese Akkorde werden D-Dur, F-Major und Sol-Major sein. Häufig wird der Haupt- oder Minor-Akkord V durch Septakord ersetzt. So wird in der Tonalität des D-Major-Akkords V-Major Sepkord salz sein.
      • Akkorde I, IV und V sind mittels Ton miteinander verbunden. Chord Fa-Major ist ein Akkord von IV in der Tonalität des D-Dur, und das Abkommen des D-Dur ist wiederum ein Akkord V in der Tronalität von F-Major. Auch der Akkord-Major ist in der Tonalität des D-Dur, und der Übereinstimmung des D-Dur ist Akkord IV in der Tonalität des Salzjägers. Diese Beziehungen beziehen sich auch auf andere Akkorde und sind in Form eines Diagramms als Quinting-Kreis dargestellt.

   Teil 4.

   Arten von Musikinstrumenten

   1. Schlaginstrumente. Diese Art von Werkzeug wird als einer der ältesten ergriffen. Die meisten von ihnen werden erstellt, um Rhythmus zu erstellen und zu unterstützen, obwohl einige eine Melodie spielen oder Harmonie schaffen können.

      • Schlagwerkzeuge, die einen Ton aufgrund der Vibration ihres Designs erstellen, werden als IDIFONEs bezeichnet. Dazu gehören Werkzeuge, die Klang von Treibern selbst über sich selbst schaffen, wie Platten und Casstans sowie solche, die Klang von Schlägen über andere Gegenstände erstellen, wie Stahltrommeln, Dreiecke und Xylophonen.
      • Stoßgeräte mit einer Beschichtung, die beim Treffen vibriert, werden Membrantephone genannt. Dazu gehören solche Trommeln wie Litavra, Tom Toms und Bongo sowie Werkzeuge, deren Membran an einer Schnur oder einem Zauberstab befestigt ist, wobei während des Kontakts, wie Quica, vibriert.

   2. Hölzerne Messinginstrumente. Windinstrumente schaffen Klang aufgrund von Vibrationen, was auftritt, wenn sie in sie blasen. Die meisten davon haben Löcher, um die Höhe des Klangs zu ändern, dank der können sie Melodien und Harmonie spielen. Hölzerne Messinginstrumente sind in zwei Arten unterteilt: Flöten, die mit Hilfe der Vibration des gesamten Werkzeugs und der Zungenrohre innen schaffen, in denen das Vibrationsmaterial angeordnet ist. Sie sind wiederum in zwei Untertypen unterteilt.

      • Offene Flöten erstellen den Klang mit der Trennung des Luftstroms am Rand des Werkzeugs. Konzertflöten und Wirbel gehören zu diesem Typ.
      • Geschlossene Flöten direkten Luft über den speziellen Kanal innerhalb des Werkzeugs, um es zu teilen und Vibration zu schaffen. Dieser Typ enthält Organrohre.
      • In Instrumenten mit einem einzigen Stock befindet sich dieser Stock im Mundstück. Wenn es weht, macht der Stock die Luft im Inneren des Werkzeugs, um einen Ton zu vibrieren und zu erstellen. Klarinette und Saxophon sind Beispiele für Werkzeuge mit einem einzigen Stock. (Obwohl der Saxophonkörper aus Kupfer besteht, gilt es als ein hölzernes Messingwerkzeug, da ein Cane zum Erstellen von Sound verwendet).
      • Double Cane Tools Verwenden Sie zwei Schilfrohren, die an einem Ende fest miteinander verbunden sind. In Instrumenten wie Oboe und einem Baroon sollte dieser Doppelrohr zwischen den Lippen des Musikers liegen, während Jungen und Kormhorn, dieses Doppelrohr, unter der Beschichtung ist.

   3. Kupfer-Messingwerkzeuge. Im Gegensatz zu hölzernen Windinstrumenten, die nur den Luftstrom direkt lüften, vibrieren Kupfer Messinginstrumente mit den Bewegungen der Musikerlippen und erstellen einen Ton. Solche Werkzeuge werden Kupfer genannt, da die meisten aus Kupfer bestehen; Außerdem sind sie jedoch auch in Unterarten unterteilt, abhängig von ihrer Fähigkeit, den Klang aufgrund der Änderung der Entfernung zu ändern, die die Luft vor dem Ausgang bestehen muss. Dies kann eine von zwei Methoden erreicht werden.

      • Posaune verwenden die Kulis, um den Abstand zu ändern, den die Luft vor dem Ausgang bestehen muss. Bei der Verlängerung der Szenen erhöht sich der Abstand, senkt den Ton, und während seiner Zuständigkeit sinkt der Abstand und erhöht den Ton.
      • Andere Kupfer-Messinginstrumente, wie Rohr und Röhre, verwenden einen Ventilsatz, um den Luftstrom im Inneren des Werkzeugs zu erweitern oder zu reduzieren. Diese Ventile können einzeln oder zusammen gedrückt werden, um den gewünschten Klang zu erreichen.
      • Hölzerne Messinginstrumente und Kupfer-Messing-Instrumente werden häufig als Messingwerkzeuge bezeichnet, da sie zum Erstellen von Musik blasen müssen.

   4. Streichinstrumente. Saiten auf Stringinstrumenten klingen möglicherweise auf drei verschiedene Arten: Mit Hilfe von Twig (Gitarre), mit einem Schlag (Dulcyimer oder Hammer auf dem Klavier) oder mit einem Bogen (Violine oder Cello). String-Tools können sowohl für rhythmische als auch für melodische Begleitung verwendet werden, und sie können in drei Kategorien unterteilt werden:

      • Lute ist ein Saite-Werkzeug mit einem resonanten Körper, beispielsweise der Violine, Gitarren und Banjo. Saiten haben die gleiche Länge (mit Ausnahme der unteren String auf dem Fivestast Banjo) und unterschiedlicher Dicke. Dickere Saiten bieten einen niedrigen Ton, und dünne Saiten sind hoch. Die Saiten werden an speziellen Orten namens BEETs gedrückt, die ihre Länge reduzieren, und ermöglicht es Ihnen, verschiedene Höhen zu erreichen.
      • Die Harfe ist ein String-Werkzeug, von denen die Saiten in einem speziellen Rahmen befinden. Die Saiten der Harfe befinden sich in vertikaler Position und haben unterschiedliche Längen, und das untere Ende jeder Saite ist mit dem Instrument-Resoniergehäuse (DEG) verbunden.
      • Crytrum ist ein String-Werkzeug mit einem flachen Fall einer falschen Form. Die Saiten auf der Citrate können gehalten oder zeichnen, um geraden und indirekte Streiks wie auf Dulcyimer oder Klavier herzustellen.
   • Das Gamma von Natural Major und Minora ist so assoziiert, dass der geringfügige Tonalität in zwei Noten niedriger ist als das Hauptgamma mit den gleichen Noten, erhöht oder niedrig. So haben die Tonalität von D-Dur und LA-MILL, in der es keine Digester und Bemoles gibt, dieselbe Menge von Notizen.
   • Einige Werkzeuge oder Werkzeuggruppen sind mit bestimmten Musikstilen verbunden. Zum Beispiel werden String-Quartette, bestehend aus zwei Violinen, Viola und Cello, in der Regel im Genre der klassischen Musik, genannten Kammermusik gespielt. Jazz-Kollektive haben in der Regel einen Rhythmusabschnitt, der aus Trommeln, Schlüsseln, manchmal Kontrabass und Röhren besteht, und ein Messingabschnitt, bestehend aus Rohren, Posaunen, Klarinetten und Saxophonen. Manchmal ist es interessant, Songs auf anderen Werkzeugen als denjenigen zu spielen, für die eine Arbeit geschrieben wurde. Ein Beispiel dafür kann "seltsames EL" Yankovich sein, der bekannte Rock-Songs im Akkordeon in der Polka spielt.

Ich werde Ihnen sagen, wie einfach es ist, schöne Melodien für Ihre Tracks leicht aufzunehmen. Wie sind harmonische Leads, Sequenzen, Riffs erstellt? Es gibt einige Geheimnisse und Chips, die den Prozess der Auswahl von Melodien für neue Kompositionen erheblich erleichtern. Sie arbeiten immer arbeiten, und es geht um sie, dass ich im Video erzähle.

Siehe die Videoversion dieser Lektion

Was sind die Arten von Melodien? In der elektronischen Musik gibt es meistens mehrere Arten der melodischen Übertragung und sie haben ihre eigenen Namen. Einige von ihnen werden heute berücksichtigt.

Reihenfolge. Reihenfolge.

Sequenz ist eine kleine Melodie, die wiederholt wird. Das geschlungene melodische Segment, das für verschiedene Akkorde wiederholt wird. Am häufigsten kann die Sequenz auf verschiedenen Schritten abgespielt werden, sie können jedoch auch die Melodie wiederholen, indem sie jeden Wiederholungszyklus von einer Stufe spielen.

Lida. Führen.

Lida - Kategorie von Timbres. Leed ist ein soloses melodisches Element, kommt aus dem Wort "Führer". Normalerweise monophon, das Hauptthema der Arbeit spielt. Am häufigsten ist es der hellste und denkwürdige Teil der Melodie. Sie können einen Deckel als führender Bestandteil aller Harmonie einreichen. Lida führt vor dem Hintergrund anderer melodischer Elemente der Spur, Zusammensetzung. Es kann auch in Form einer Visitenkarte der gesamten Komposition, Spur eingereicht werden. Darauf erraten leicht Tracks und berühmte Kompositionen.

Riff. RIFF.

Sehr angeregt Teil der Spur, Zusammensetzung. Häufig werden Riffs in E-Gitarren verwendet. Riffs unterscheiden sich von den Leitungen mit einem helleren, gesättigten Klang. Riffs sind ein sehr intensiver Teil der Melodie, der schwierig ist, in der Spur nicht zu bemerken. Riffs sind im Vergleich zu den Anführern eher heller aufgerichtet.

Pad. Pad.

Ansonsten heißt es als "Futter" für Musik. Dies ist der Hintergrund des Hintergrunds, der Melodic Tracking Track, Kompositionen, Songs. Als solches ist das Ped keine direkte Melodie, sondern beteiligt sich jedoch direkt an der Schaffung von Harmonie für die Strecke, und daher betrifft sein Geräusch stark auf die Wirkung der Wahrnehmung von Leads, Sequenzen und Riffs. Dies ist ein harmonisches Element, mehrstimme. Gibt das Volumen der Zusammensetzung an. Häufiger in den Pads verschreiben Sie eine Akkordsequenz, die die Hauptharmonie setzt.

Wie Sie verstehen, sollten all diese Elemente, die die Harmonie für Ihre Tracks definieren, mehr miteinander so bald wie möglich, "nicht luch" bauen, und verursachen sogar eine angenehme Wahrnehmung von einer bestimmten Harmonie. Und was zu tun, wenn Sie sagen, Sie haben keine musikalische Ausbildung, aber um diese Elemente der Musik zu verbinden, die Sie am effektivsten wünschen? Sie können bewährte Algorithmen und -schemata verwenden, die den Prozess der Auswahl von Melodien für Ihre Tracks erheblich erleichtern, ohne viel unnötiges Lüge und Disharmonie zu schaffen.

Überprüfen Sie jetzt die Krippe unten, um harmonische Melodien zu schaffen. Übrigens kann es heruntergeladen werden, indem Sie auf das Bild klicken. Direkt darunter kläre ich, wie man es benutzt.

Klicken Sie auf das Bild und das Herunterladen der Krippe im JPG-Format wird beginnen.

Wenn Sie 7 Schritte unternehmen - 7 Anmerkungen, von denen Ihre Musik (bis zu, RE, MI, FA, Salt, SAL, SAL, SI) ist, haben sie immer stabilere und weniger stabile Schritte. Nachhaltig sind solche Notizen, die immer auf die Melodie hören wollen, die Verwendung von ihnen in der Melodie ist immer angenehm annimmt, harmonisch. Und instabil - sie nennen uns nicht sehr angenehme Empfindungen, und wir wollen es am wenigsten hören. In einem Wort ist das Verhältnis nachhaltiger Noten zu instabilen unterschiedlichen Dingen. Wenn wir nur eine Melodie aus instabilen Schritten erstellen, wird es so verrückt sein, dass Sie nicht wenig wissen werden! Wenn Sie jedoch nur eine Melodie aus stabilen Schritten erstellen, ist es ein sehr harmonischer Sound, der nicht schlecht ist, jedoch ist diese Melodie jedoch nicht genug "Pfeffer". Deshalb ist es sinnvoll, alle Notizenschritte zu verwenden, sondern in unterschiedlichem Verhältnis, etwas mehr und etwas weniger.

Also, lass es uns herausfinden, welche Blätter und Schritte stabil sind und welche nicht. Wenn Sie sich die Box-Crib oben betrachten, finden Sie die drei stabilsten Schritte - es ist 1, 3, 5 (sie sind grün markiert). Wenn Sie eine Melodie in der Tonalität des D-Dur (mit Maj) herstellen, wird es Notizen "to", "Mi", "Salz". In anderen Tonalitäten werden jedoch andere Notizen sein. In der Tonalität von "Salt-Major" (G-maj) werden diese zum Beispiel "Salz", "Si", "RE" notiert, da für diese Tonalität des ersten Schritts ein "Salz" sein wird. Und in der Tonalität von "FA # Minor" (F # MIN) wird es eine "FA #" -Tat geben, und dementsprechend sind stabile Notizen hier "FA #", "la", "bis zu #". Und für ein solches Prinzip mit allen anderen Tonalitäten. Ich hoffe so herausgefunden.

Gehen Sie geradeaus. Wir haben 3 die stabilsten Bühnen gefunden - Hinweise, es sollte am leidenden in der Melodie sein. Sie müssen meistens in Ihren Deckeln, Riffs, Sequenzen verschreiben. Sie werden jedoch nicht weit auf drei Noten gehen, die Melodie wird langweilig klingen. Daher nennen wir diese drei Noten weitere zwei weniger stabile Stufen - dies ist 2 und 6. in der Tonalität von "D-Dur" - es wird Notizen "RE" und "La" (die Krippe wird von grün angezeigt). Wir im Arsenal erhielt es 5 Notizen. Übrigens, auf diesen 5 Noten sind Sie bereits sehr weit entfernt. Auch wenn Sie eine Melodie mit nur diesen Schritten schreiben, klingt Ihre Melodie bereits wunderschön, harmonisch und standardmäßig mit Akkorden.

Wir hatten 2 weitere Notizen-Schritte, die instabil sind - es ist 4 ("Fa") und 7 ("Si") (in rot markiert). Sie können auch in der Melodie verwendet werden, aber so wenig, um unsere Melodie nicht zu konzentrieren.

Idealerweise sollte das Verhältnis aller Notizen in der Melodie, die Sie schreiben, wie folgt sein: mehr als 50% aller Notizen in der Melodie sollten nachhaltige Schritte seinund auf dem Restprinzip alle anderen Notizenschritte. Nur dann wird Ihre Melodie wunderschön bauen, nicht aussehen und angenehme Gefühle verursachen.

Jetzt werde ich Ihnen von einer sehr einfachen Möglichkeit erzählen, 5-10 Minuten eine harmonische und recht schöne Melodie zu schaffen. Versuchen Sie, Pentatonic zu verwenden. Tatsache ist, dass die "Pentatonics" so viel ist wie von diesen Noten, die der stabilste sind. Das Pentatonic selbst bedeutet wörtlich "fünf Töne". Das bedeutet, dass Sie nicht 7 Anmerkungen spielen müssen, wie früher, aber nur fünf. Und diese Notizen sind 1, 2, 3, 5, 6 Schritte - die stabilsten und harmonischsten Schritte.

Pentatonic wird aktiv in moderner elektronischer Musik verwendet. Obwohl sie von der Antike zu uns kam. Pentatonic kann immer in chinesischer Musik, Japaner und noch Tatar, Bashkir und Chuvash gehört werden. Einige Volkslieder und Melodien dieser Völker verwenden immer noch Pentatonic als Hauptart, um musikalische Werke zu erstellen.

Versuchen Sie jetzt, das Folgende zu tun. Erstellen Sie eine Akkordsequenz dieser Krippe. Erhöhen Sie danach einem Melody-Deckel entsprechend dem folgenden Schema: Schreiben Sie (verlieren) alle weißen Tasten in einem zufälligen Reihenfolge (d. H., wie er fiel), aber nicht 4 und 7 Schritte verwenden. Jene. Schreiben Sie nicht in die Melodie-Notizen "Fa" und "Si". Alle anderen Notizen streuen, wie Sie möchten. Wenn die Akkordsequenz aus 4 Akkorden besteht, dann wiederholen Sie Ihre Melodie in den letzten beiden Akkorden. Sie sollten Folgendes haben, in den ersten beiden Akkorden, die Sie eine aufgezeichnete Melodie spielen, und in den letzten beiden Akkorden wiederholt es eins in einem. Und höre auf das, was passiert ist. Die Melodie wird mit Ihren Akkorden bauen, da es in Pentatonic geschrieben ist. Es kann mit einer Melodie von einer beliebigen Lada-Note (von fünf Schritten) gestartet werden, und endet für einen der fünf Noten.

Auf den ersten Blick kann die Erstellung eines Musikclips eher komplexe und arbeitsintensive Aufgabe erscheinen. Aber für Starter entscheiden wir uns, was der Musikclip ist. Tatsächlich ist dies derselbe Film, nur sehr getrimmt, kurz.

Der Prozess der Erstellung eines Musikvideos ist praktisch nicht anders als der Prozess zum Erzeugen eines Films, ähnlichen Techniken und Techniken werden verwendet. Einige Momente übertreffen sogar die Komplexität der Erstellung eines Films, z. B. der Installation des Musikclips dauert viel länger. Bevor Sie sich sofort an die Frage fortsetzen, wie man einen Musikclip herstellt, lassen Sie uns etwas mehr im Sinne und Aufgaben des Clips verstehen.

Zweck, Aufgaben, Typen

Mit dem Zweck des Clips ist alles ganz einfach - eine Song-Illustration oder eine musikalische Komposition, mit dem Ziel, Musik-TV-Kanäle oder im Internet anzuzeigen. In einem Wort, so etwas wie Werbung, wie ein neues Album oder Single. Die Aufgaben der Videoclips sind viel größer, Sie können drei Hauptmaterial auswählen:

• Der erste und wichtigste, der Clip sollte von den Fans des Künstlers oder der Gruppe sein.
• Die zweite Aufgabe des Clips ist eine visuelle Hinzufügung von Text und Musik. In einigen Punkten offenbart der Videoauftrag viel tiefer und bereichert die Arbeit von Darsteller.
• Die dritte Aufgabe des Clips besteht darin, die Bilder der Darstellern aufzudecken.

Alle Videoclips sind in zwei Arten aufgeteilt - in der ersten Basis ist das Video, das an Konzerten hergestellt ist, und in der zweiten, einer gutdurchdachten Handlung. Fahren Sie also direkt mit den Stadien des Erstellens eines Musikclips fort.

Bühne zuerst: Wahl einer Komposition

Die Auswahl des Songs an den zukünftigen Clip muss von einigen Kriterien geleitet werden. Erstens sollte die Dauer der Zusammensetzung fünf Minuten nicht überschreiten, und idealerweise sollte die Dauer von drei bis vier Minuten variieren. Es ist wünschenswert, dass in dem Lied eine Geschichte erzählt wird, obwohl Sie auch eine Idee für die Komposition ohne Worte finden können, ist es auch sehr interessant. Sie können die Aufnahmen anderer Personen ohne Erlaubnis nicht annehmen oder Ihre eigenen verwenden oder die Meinung des Autors fragen.

Bühne Sekunde: SHKWALK-Ideen

Jetzt müssen Sie über Ideen nachdenken, um die ausgewählte Komposition zu veranschaulichen. Es ist nicht notwendig, Texte im Video zu übertragen, können Sie mit Stimmung, Musik oder Thema experimentieren. Dann wird es viel mehr Platz für Ideen für den Videofrieden geben. Und die Zusammensetzung der Zusammensetzung ist kein banales, Schablonenvideo und wirklich echte Schöpfung.

Stufe drei: Abstreifen

Nach der endgültigen Wahl der Idee sollte es das Routing sein, das heißt, um eine Liste von Frames zu erstellen, die erforderlich sein, um ein Video zu erstellen. Einige Frames, die ein wesentlicher Bestandteil sind und das Hauptessenz in sich tragen, müssen Sie skizzieren. Es ist die Qualitätsvorbereitung dieser Phase, die den Prozess ermöglicht, mehr Gadko zu gehen und viel schneller zu machen.

Bühne viertel: Stylistik

Sie müssen sich im Voraus für den Stil des Clips entscheiden, vielleicht ist das Video schwarz und weiß, und vielleicht gibt es eine Animation darin. All dies muss nachdenklich und aufnehmen. Keine wichtige Tatsache ist die Meinung des Künstlers, jemand möchte an dem Video in der Hauptrolle teilnehmen, und jemand möchte überhaupt nicht im Clip erscheinen.

Stufe Fünftel: Schießen

Also haben wir uns den wichtigsten Maßnahmen in Frage gestellt, wie ein Musikclip schießt. Grundsätzlich in den Clips des Soundtracks, die Arbeit selbst, die vom Video entfernt wird, ist also nicht wert, sich um Audiospuren zu sorgen. Wir nehmen Skizzen vor dem Storyboard vorbereitet und fahren direkt mit dem Schießen aus.

Entfernen Sie die Highlights der konzipierten Idee, die nicht vergessen, sich auf jeder Szene ein paar Doppel zu verdoppeln. Wenn die Szenen mit einem Singing-Performer im Videoclip geplant sind, ist es beim Aufnehmen erforderlich, ein Lied mit dem Hintergrund zu legen, damit die Bewegung der Lippen dem Datensatz ähnlich war. Nach dem Storyboard folgen sie alles bis zum Ende, auch nicht vergessen, alle Kulissen einiger Doppelzulinge zu tun, denn das gefangenere Material, desto einfacher wird es bearbeitet, und das Video wird von hoher Qualität aussehen.

Bühne Sechs: Bearbeitung

Jetzt sollten Sie fortfahren, um das Filmmaterial zu bearbeiten. Es gibt genug solcher Programme, die Wahl hängt vom Budget ab. Es gibt Programme zum Bearbeiten eines Videos in Tausenden von Dollars, und es gibt völlig kostenlos. Anfänger in diesem schwierigen, aber wundervollen und kreativen Prozess werden für solche Programme preisgünstige Optionen für solche Programme geeignet sein, beispielsweise endgültige Cut Express oder IMOVIE.

Das fertige Material wird also in den Video-Editor geladen, es ist notwendig, die Zusammensetzung einzuschalten, an der der Videoclip erschossen ist und mit der Bearbeitung fortfahren.

Die Hauptsache in diesem Unternehmen besteht darin, sich daran zu erinnern, dass ein guter, hochwertiger Videoclip eine illustrierte Version der Komposition sein sollte, z. B. langsame Gitarrensounds - Video-Frames müssen mit dem Tempo und dem Rhythmus der Musik übereinstimmen. Schließlich wäre es seltsam und unnatürlich eine Reihe von Schnellrahmen während der langsamen Melodie des Eintrags beobachten. Bearbeiten Sie das Material also, sollten Sie durch die Stimmung der Komposition selbst geführt werden.

Bühne siebte: Effekte

In einigen Videoclips sind die Effekte einfach in der Handlung der Zusammensetzung notwendig, und in einigen kann man ohne sie tun. Wenn Sie jedoch jedoch entscheiden, Effekte hinzuzufügen, müssen Sie sich daran erinnern, dass sie sowohl Endanschläge als auch nicht die Grundlage des Videos sein sollten. Sie können beispielsweise einige Frames und eine bessere Szene, um in einigen, im Gegenteil, die Farbkanal anpassen zu lassen, können Sie eine Zeitlupe hinzufügen. Im Allgemeinen ist es möglich, zu experimentieren, das Hauptsache ist nicht zu vergessen und deutlich das Endergebnis zu sehen.

Nach der Genauigkeit aller oben genannten Vorbereitung, Aufnahme und Bearbeitung des Videos können Sie das wunderbare Material für die Zusammensetzung folgen. In dieser Angelegenheit ist die Hauptsache nicht übertrieben, es in einigen Punkten, in einigen Punkten brauche ich ein "goldenes Mittelwert", dank dessen Prozess selbst und sein Endergebnis allen Teilnehmern dieser zeitlichen Rücksichtnahme und des Komplexes nur positive Stimmung bringen werden.

Im Laufe der Zeit, nach dem zweiten oder dritten entfernten Videoclip, ist die Frage, wie ein Musikclip nicht so schwierig und unerträglich erscheinen wird, der Prozess liefert nur gute Emotionen, und das Ergebnis wird besser und besser sein.

Schauen Sie sich am Ende des Artikels das Video, wie Sie eine vereinfachte Version des Clips, von Fotos und Musik erstellen können: